{"id":1000017641,"date":"2025-05-23T19:18:23","date_gmt":"2025-05-23T22:18:23","guid":{"rendered":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/?p=1000017641"},"modified":"2025-05-23T19:18:27","modified_gmt":"2025-05-23T22:18:27","slug":"ad-alberobello-una-mostra-dedicata-banksy-e-altre-storie-di-artisti-ribelli-tra-street-art-e-cultura-urbana","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/?p=1000017641","title":{"rendered":"Ad Alberobello una mostra dedicata\u00a0 Banksy e altre storie di artisti ribelli: \u00a0Tra Street Art e Cultura Urbana"},"content":{"rendered":"\n

Giovanni Cardone  <\/strong><\/p>\n\n\n\n

Fino al 30 Settembre 2025 si potr\u00e0 ammirare nelle sale di Casa Alberobello \u2013 Bari\u00a0 una mostra unica nel suo genere\u00a0 \u201cBanksy e altre storie di artisti ribelli\u201d, che racconta il mondo attraverso gli occhi di alcuni tra i pi\u00f9 influenti artisti viventi, a cura di Piernicola Maria Di Iorio. L\u2019esposizione in esclusiva per il Locus Festival 2025, \u00e8 prodotta e organizzata da Bass Culture e Piuma, con il patrocinio del Comune di Alberobello. In una mia ricerca storiografica e scientifica sulla Street Art e sulla figura di Banksy apro il mio saggio dicendo:\u00a0 \u00c8 molto difficile stabilire dove e quando sia nato il graffitismo, l\u2019arte murale, o, come viene definita oggigiorno, la \u201cstreet art\u201d. \u00c8 addirittura molto difficile assegnare a questa o queste pratiche un nome che venga riconosciuto globalmente dagli stessi artisti e dagli spettatori. Street Art: Complesso di pratiche ed esperienze di espressione e comunicazione artistico-visuali che intervengono nella dimensione stradale e pubblica dello spazio urbano, originariamente provviste di una fisionomia alternativa, spontanea, effimera e giuridicamente illegale salvo poi essere, in una fase posteriore, parzialmente sanzionate e fatte proprie dalla cultura popolare di massa, dal mercato e dalle istituzioni, prospettiva che contribuisce a rendere molto problematica a oggi una puntuale individuazione del campo, che rimane estremamente liquido e aperto a molteplici visioni. \u201cEnciclopedia Treccani s.v. street art\u201d Secondo questa definizione, all\u2019interno del termine Street Art risiedono anche pratiche quali il graffitismo e il writing in tutte le loro sfaccettature, dal momento che anch\u2019esse potrebbero essere definite come \u201cpratiche ed esperienze di espressione e comunicazione artistico-visuali\u201d. Nonostante ci\u00f2, per\u00f2, non tutti sarebbero d\u2019accordo nell\u2019includere quei terribili scarabocchi disegnati sui muri delle nostre case all\u2019interno del grande mondo della street art. Quindi posto una domanda come definire questi movimenti? La stessa Treccani afferma la difficolt\u00e0 di offrire \u201cuna puntuale identificazione del campo\u201d e di conseguenza spetta ad ogni singolo creatore o fruitore di queste \u201copere\u201d stabilire se siano artistiche o meno, se siano belle o brutte e siano giuste o sbagliate. Dovendo cercare le origini della street art non si pu\u00f2 che risalire a tempi antichissimi in cui l\u2019uomo dipingeva le ruvide pareti di grotte e caverne. Vista la principale attivit\u00e0 del tempo le immagini rappresentate erano soprattutto scene di caccia o animali stilizzati i cui significati erano probabilmente magici e propiziatori. Tra i pi\u00f9 illustri esempi ci sono la grotta di Altamira con dipinti di circa 18.500 anni e le famosissime grotte francesi di Lascaux e Pech-Merle che oltre ad avere raffigurazioni create circa 25.000 anni fa, al\u00a0 suo interno sono visibili alcune impronte in negativo di mani ottenute attraverso la colorazione della parete attorno alla mano appoggiata. Parlando di mani bisogna anche ricordare le famosissime rappresentazioni di mani in negativo della Cueva de las manos in Argentina . Volendo fare un paragone si potrebbe ironicamente affermare\u00a0 che queste rappresentazioni di mani siano le prime forme di firma individuale di uomini che anticiparono il fenomeno moderno del tagging . Ovviamente, altri illustri esempi possono essere ritrovati in Africa come nelle grotte di Laas Gaal in Somalia con dipinti risalenti al IX-VIII millennio a.C. o in Sudamerica come nel Parco nazionale Serra da Capivara dove sono rappresentate circa 30.000 figure dipinte su roccia, le pi\u00f9 antiche datate 26.000 \u2013 20.000 anni fa. Tralasciando alcuni aspetti importanti della storia dell\u2019arte che all\u2019interno di questo elaborato non assume una rilevanza fondamentale al fine della comprensione di alcuni ambiti della street art, non bisogna dimenticare l\u2019utilizzo artistico-espressivo dei muri nella civilt\u00e0 egizia, in quella assira, in quella greca e romana e cosi via fino ai giorni nostri. Un accenno va per\u00f2 fatto in particolare all\u2019Europa medievale dove veniva spesso utilizzato l\u2019affresco per comunicare o semplicemente lasciare un messaggio alla comunit\u00e0. Ancora pi\u00f9 spesso questo tipo di arte veniva utilizzato a fini didascalici come nel caso di cattedrali e chiese dove si potevano, e si pu\u00f2 tutt\u2019ora, trovare raccolte di immagini che narrano scene della vita di Ges\u00f9. Se la norma era dunque dipingere all\u2019interno non mancano esempi di affreschi e pitture murali anche all\u2019esterno; esempio ne \u00e8 la recentemente restaurata facciata di una casa a Mantova dipinta per mano di Mantegna o alcuni monasteri rumeni tra cui quello di Moldovi\u021ba risalente al 1532. Anche all\u2019interno del testo sacro, la Bibbia, troviamo un esempio di utilizzo di scrittura murale al cui interno \u00e8 racchiusa una profezia decifrata da Daniele per il re Baldassarre. Anche in questo caso si pu\u00f2 osservare come l\u2019utilizzo della scrittura su parete non \u00e8 fine a s\u00e9 stesso ma ha un qualche scopo. Le origini dell\u2019arte murale vanno ricercate soprattutto all\u2019interno della cultura messicana post-rivoluzionaria, dunque intorno agli anni \u201920 e \u201830 del secolo scorso. In questo periodo grandi artisti come Diego Rivera, Jos\u00e9 Clemente Orozco e David Alfaro Siqueiros realizzano grandi opere che verranno riconosciute a livello internazionale. I tre artisti erano accumunati dalla voglia di creare un arte che fosse fortemente ideologica, narrativa, educativa e popolare, quattro caratteristiche tipiche della street art in generale, antica e contemporanea. Diego Rivera dopo una giovinezza tra Messico, Spagna e Italia nel quale conosce importanti artisti come Picasso e Modigliani che lo introducono alla scena artistica, nel 1922 si iscrisse al Partito Comunista Messicano e cominci\u00f2 a dipingere i suoi murales sugli edifici pubblici di Citt\u00e0 del Messico. Attraverso le sue opere ha la grande capacit\u00e0 di rappresentare vicende del suo popolo, dei peones e della loro schiavit\u00f9. Protagonisti dei suoi murales furono anche le tre figure fondamentali della rivoluzione messicana Hidalgo, Juarez, Zapata e in seguito anche Marx e Lenin; quest\u2019ultima opera Man at the Crossroads, creata nel New York City’s Rockefeller Center venne subito distrutta da Nelson Rockefeller per via della propaganda anti-capitalista rappresentata e lui venne licenziato. Jos\u00e9 Clemente Orozco\u00a0 fu anche lui, insieme a Diego Rivera\u00a0 promotore del cosiddetto Rinascimento Murale Messicano. Grande muralista, gir\u00f2 le pi\u00f9 importanti citt\u00e0 americane ed europee facendosi conoscere per le sue grandi opere. Differentemente dal suo compagno Diego Rivera era un personaggio pessimista e cupo che rappresentava le difficolt\u00e0 e la sofferenza che ogni uomo deve patire per ottenere i suoi diritti. Questa sua visione della vita e soprattutto della rivoluzione messicana al quale \u00e8 molto legato si traduce in dipinti il cui tema \u00e8 sempre drammatico e i colori sempre forti e scuri. David Alfaro Siqueiros\u00a0 non fu soltanto un pittore ma anche uno dei 10 grandi protagonisti della rivoluzione messicana al fianco di Zapata.\u00a0 Dopo una serie di viaggi, torna in patria nel 1922 ed, insieme a Rivera ed Orozco, partecipa alla grande nascita della pittura murale messicana. \u201cSenza la rivoluzione non ci sarebbe stata la pittura messicana\u201d. Queste le sue parole sul quale basa tutta la sua arte. La sua idea era quella secondo cui l\u2019arte ha lo scopo di parlare direttamente al popolo affinch\u00e9 quest\u2019ultimo intervenga e cambi la societ\u00e0 corrotta; proprio per questo motivo le sue opere trovano dimora lungo le strade, in luoghi aperti a chiunque e gratuiti; dell\u2019arte devono poterne fruire tutti. Imprigionato pi\u00f9 volte per i suoi ideali nel 1966 gli venne conferito il massimo riconoscimento governativo, il Premio Nazionale d\u2019Arte. Questi tre artisti, Rivera, Orozco e Siqueiros, vengono considerati a livello internazionale come i precursori dell\u2019arte murale moderna. Gli obiettivi e i temi delle loro opere differiscono sicuramente da quelli di oggi, ma la base rimane la stessa e le motivazioni anche: la voglia di esprimersi e la voglia di comunicare qualcosa a tutto il mondo; la voglia di protestare e di andare contro il sistema. Per quanto molte persone non lo vogliano accettare, anche la pi\u00f9 piccola ed insignificante scritta che troviamo sui muri della nostra citt\u00e0, ha in fondo un perch\u00e9 e potrebbe essere ritenuta come una minuscola forma di protesta. Le prime forme di arte murale in Italia differiscono, in parte, da quelle della rivoluzione messicana. Per quanto anch\u2019esse rappresentassero la cultura di un popolo e la situazione di uno stato, non provenivano da un movimento rivoluzionario bens\u00ec dal potere stesso. Durante il periodo fascista\u00a0 dal 1922 al 1943 \u00e8 il regime che detta le regole e che vuole creare un\u2019arte pubblica con forte rilevanza sociale, autocelebrativa e propagandistica. Nel 1933 il pittore nonch\u00e9 muralista Mario Sironi pubblica il Manifesto della pittura murale nel quale afferma: \u00abLa pittura murale \u00e8 pittura sociale per eccellenza. Essa opera sull’immaginazione popolare pi\u00f9 direttamente di qualunque altra forma di pittura, e pi\u00f9 direttamente ispira le arti minori.\u201d\u00a0 Questa un\u2019altra frase indicativa dell\u2019utilizzo dell\u2019arte che veniva fatto nel periodo fascista: \u201cNello Stato Fascista l’arte viene ad avere una funzione educatrice. Essa deve produrre l’etica del nostro tempo. Deve dare unit\u00e0 di stile e grandezza di linee al vivere comune. L’arte cos\u00ec torner\u00e0 a essere quello che fu nei suoi periodi pi\u00f9 alti e in seno alle pi\u00f9 alte civilt\u00e0: un perfetto strumento di governo spirituale.\u201d Il Graffitismo, o meglio il writing, nasce negli anni \u201970, come parte della sottocultura dei ghetti (conosciuta come Hip-hop), attorno alle citt\u00e0 americane, tra le quali, la pi\u00f9 importante, New York. Difficile stabilire una data precisa nella quale sia nata o un percorso ben definito che abbia seguito questa nuova pratica. Diverse ragioni rendono questo compito molto arduo: l\u2019enorme numero di graffiti sparsi per il mondo; la lontananza di questa \u201carte\u201d dai canali tradizionali e legali; la spesso repentina cancellazione. Nonostante i media e il senso comune non facciano alcuna distinzione, sarebbe pi\u00f9 consono definire come due pratiche differenti il graffitismo e il writing. Molto vicine tra loro e spesso con fini pressoch\u00e9 identici, si differenziano principalmente per la forma e la tecnica utilizzata. Si potrebbe affermare che il graffitismo nasca a partire dal writing a seguito di una ricerca e uno studio pi\u00f9 attento del lettering . La nascita del Graffitismo \u00e8 dovuta alle problematiche socio-culturali di alcuni quartieri disagiati della New York degli anni \u201970 e di altre metropoli; Come afferma Baudrillard le 14 scritte nascono a partire da spinte assai differenti: La tendenza ad affermare la propria esistenza o identit\u00e0 individuale, la protesta delle minoranze e qualche volta anche pretese artistiche. In questo periodo la forte emarginazione dei giovani dei ghetti, neri e latinos ha portato gli stessi a ribellarsi e a reagire alla forte repressione e discriminazione delle minoranze cercando una maniera per esprimersi, far sentire la propria voce e soprattutto protestare. Agli albori del graffitismo lo scopo principale di un writer era quello di bombardare (\u201cBombing \u00ab) pi\u00f9 pareti possibili con la sua firma (\u201ctag\u201d). Il pi\u00f9 famoso tra di essi \u00e8 TAKI 15 183 al quale addirittura il New York Times dedic\u00f2 un articolo rendendo cosi ufficiale la\u00a0 nascita del nuovo movimento. Non era per\u00f2 l\u2019unico: la voglia di riappropriarsi di un\u2019identit\u00e0 e di uno spazio urbano ha portato molti giovani a scrivere quante pi\u00f9 volte possibile la propria tag in giro per il quartiere o per la citt\u00e0. Con il tempo, i cosiddetti writers cominciano a voler qualcosa di pi\u00f9 e la tecnica viene affinata attraverso uno studio pi\u00f9 attento del lettering. La semplice tag o scritta non basta pi\u00f9 per poter prevalere e farsi riconoscere all\u2019interno dell\u2019enorme panorama venutosi a creare. Tra le migliaia e migliaia di \u201cbanali\u201d scritte \u00e8 necessario ora far risaltare la propria firma attraverso una pi\u00f9 raffinata ricerca stilistica dei caratteri e utilizzando \u201cattrezzi\u201d che rendessero pi\u00f9 appetibili le opere come la bomboletta spray. Esempi di lettering potrebbero essere il bubble style, bar style, computer style, 3D style o wild style che si differenziano tra loro in base all\u2019utilizzo di, rispettivamente, lettere arrotondate, lettere squadrate, lettere \u201cdigitali\u201d, lettere 3D o lettere di difficile comprensione ed intricate. Detta anche Aerosol-art si presenta inizialmente come un\u2019evoluzione del writing per poi trovare una propria indipendenza e dignit\u00e0 artistica. Intorno al 1974 c\u2019\u00e8 poi un\u2019ulteriore evoluzione che porta gli artisti ad incorporare all\u2019interno dei loro lavori anche figure, personaggi e scenari extra-alfabetici divenendo cosi a tutti gli effetti una branca dell\u2019arte. Nello stesso periodo, parallelamente comincia a svilupparsi una nuova tecnica che acquisir\u00e0 poco a poco sempre pi\u00f9 importanza fino a raggiungere il culmine con i lavori di Banksy di cui si parler\u00e0 nei capitoli successivi: la Stencil Art . Da questo periodo in poi, o meglio, dagli anni \u201980 in poi, con la nascita di nuove tecniche e con lo sviluppo sempre pi\u00f9 indipendente dal punto di vista artistico di queste pratiche, gli artisti stravolgono l\u2019idea iniziale di writing e graffitismo puntando ad un pubblico. Mentre negli anni \u201970 lo scopo principale di un writer era quello di bombardare con la propria firma pi\u00f9 muri possibili per riappropriarsi dello spazio urbano e per acquisire una certa notoriet\u00e0 all\u2019interno della subcultura dell\u2019Hip hop, ora il writer cessa di essere solamente un writer e diventa un artista, con dei messaggi universalmente comprensibili e con la speranza di un riconoscimento a livello pubblico. \u00c8 per questo motivo che, proprio in questi anni, cominciano a nascere le prime esposizioni il cui tema \u00e8 proprio l\u2019arte di strada. Questo ha consentito a Banksy di dipingere, negli anni, in luoghi molto sorvegliati e difficili da raggiungere: giunge sul luogo prescelto, sempre molto simbolico e mai a caso, applica la maschera sulla parete, dipinge e scappa, senza che nessuno abbia nemmeno il tempo di accorgersene. Durante un\u2019intervista Banksy afferm\u00f2: \u201c\u00c8 questa la chiave dei graffiti: l\u2019ubicazione\u201d . \u00a0Come dargli torto? Per essere veramente efficace , la street art di Banksy deve essere collocata nel contesto giusto. L\u2019arte di strada deve comunicare con il luogo nel quale viene creata, deve interagire con l\u2019ambiente circostante; solo cosi il pubblico riuscir\u00e0 a non vederla pi\u00f9 come un semplice \u201cdisegno\u201d esteticamente bello ma come qualcosa di pi\u00f9. Quando dunque le sue opere vengono rimosse dal loro luogo originale per poi essere vendute ed affisse ad una parete di qualche ricco salotto, perdono tutto il loro valore, perdono la loro anima. \u00c8 cosi che con il tempo l\u2019artista di Bristol decise di non firmare pi\u00f9 le proprie opere; cosi facendo avrebbe, in primis, evitato un possibile arresto e soprattutto avrebbe evitato che le sue opere, rivolte a tutti, libere e gratuite venissero rimosse da qualche \u201cbusinessman\u201d: in assenza della sua firma infatti sarebbe stato difficile autenticare le opere; l\u2019unico modo per farlo era, ed \u00e8 tutt\u2019ora, quello di rivolgersi all\u2019agenzia Pest Control letteralmente \u201cservizio di disinfestazione\u201d che certifica le stampe e i dipinti\u00a0 autentici di Banksy. L\u2019unico problema \u00e8 che non vengono autentificati i pezzi di strada perch\u00e9 \u201ci proprietari delle case tendono ad incazzarsi parecchio quando gli sparisce una porta perch\u00e9 c\u2019era dipinto uno stencil\u201d. Ogni pezzo di Banksy ha una fattore molto forte di critica verso un problema della societ\u00e0. Ogni sua opera apre un dibattito che potrebbe durare ore, questiona su argomenti fondamentali per il nostro tempo, mette in discussione ogni cosa. In base alle interviste effettuate risulta molto spesso che Banksy venga visto come una vox populi, come un Robin Hood contemporaneo. Non si sa chi sia; un uomo che ha mandato avanti la forza del suo messaggio a discapito della fama della sua persona. Un uomo che la gente apprezza per la sua presunta sincerit\u00e0. Dico presunta perch\u00e9 nessuno sa in realt\u00e0 quali siano i suoi scopi, cosa lo spinga a perseguirli e chi ci sia dietro alla maschera. C\u2019\u00e8 chi pensa che sia solamente un prodotto commerciale, che non sia pi\u00f9 solo una persona ma che sia un\u2019azienda. C\u2019\u00e8 chi dice che sia ricchissimo e che quindi non sia pi\u00f9 coerente con quello che predica. Dicono che tutto ci\u00f2 che ha fatto l\u2019abbia fatto solo per la fama. Tutto ci\u00f2 \u00e8 possibile, anzi probabile; nessuno mette in dubbio che ormai non sia pi\u00f9 solo uno: sarebbe impossibile aver creato questo impero da solo. Ma anche i cartoni animati e i supereroi sono finti; dietro si nasconde sempre qualche ricca e avida casa di produzione e nonostante questo continuano a farci sognare. Quindi perch\u00e9 dovremmo smettere di farlo? Dipingere Graffiti \u00e8 il modo pi\u00f9 onesto in cui puoi essere un artista. Non servono soldi per farlo, non \u00e8 necessaria una formazione per comprenderli e non c’\u00e8 alcuna tassa di ammissione. Due artisti le cui pi\u00f9 celebri opere mai realizzate sono loro stessi: \u201cNel futuro ognuno sar\u00e0 famoso per 15 minuti\u201d diceva Warhol e Banksy risponde: \u201cOgnuno nella vita avr\u00e0 15 minuti di anonimato\u201d. Figure geniali, capaci di creare un cocktail potente di celebrit\u00e0, satira e voyerismo e che hanno saputo trasformare la loro arte in un evento straordinario. Si affronteranno, inoltre, i grandi temi comuni a entrambi gli artisti: la musica e il cinema, che costituiranno un faccia a faccia unico.\u00a0 Infine il percorso della mostra si conclude con che nei primi anni Ottanta con JonOne, uno dei primi e principali esponenti della graffiti art, che ha il grande merito di aver portato i graffiti da Harlem (NY) a Parigi e dalla strada alla tela. Passando per JonOne si arriva dunque alla scena europea, dove Blek le Rat e poco dopo Jef A\u00e9rosol hanno cambiato il volto delle citt\u00e0 francesi con i loro innovativi stencil<\/em>. Considerato padre della Stencil Art, Blek le Rat con il suo famoso \u00abratto\u00bb, simbolo della ribellione e della pervasivit\u00e0 dell’arte urbana, ha influenzato generazioni di artisti fra cui Banksy. Il celebre artista britannico con le sue opere provocatorie e socialmente consapevoli, ha portato la stencil art dall’Europa all’attenzione globale. Le sue creazioni sono diventate iconiche, definendo la Street Art come una potente forma di espressione politica e sociale. Se si parla di arte e attivismo \u00e8 impossibile non menzionare Shepard Fairey, aka Obey, le sue opere – fra cui il suo celebre ritratto di Barack Obama \u201cHope\u201d e le sue campagne a favore dei diritti e della salvaguardia dell’ambiente\u00a0 hanno un forte impatto sulla cultura popolare e sulla politica. Il percorso espositivo continua con la \u201cEuropean Wave\u201d portando all\u2019attenzione del pubblico artisti contemporanei come D*Face, Invader, Alexandre Farto aka Vhils e The London Police. Questi artisti hanno portato la Street Art a nuove vette con stili distintivi e tecniche innovative. Ad essi si aggiungono poi i PichiAvo che combinano l\u2019estetica classica con il linguaggio delle tagper dare vita a opere che fondono passato e presente in un dialogo visivo affascinante. Si possono inoltre ammirare pezzi unici e limited edition di Mr Brainwash e Pure Evil, artisti che portano un tocco pop alla Street Art, con opere che richiamano il lavoro di Warhol e aggiungono un commento contemporaneo sulla cultura delle celebrit\u00e0 e sulla societ\u00e0. Infine, la mostra dedica una sezione agli artisti italiani che hanno lasciato il segno sulla scena internazionale. Da Sten Lex con la tecnica dello stencil poster a Microbo e Bo130, Hogre, Orticanoodles e Biancoshock con le sue installazioni provocatorie, l’Italia ha dato un contributo significativo alla crescita e all’evoluzione della Street Art. Il legame con Napoli \u00e8 la famosa opera la Madonna con la pistola situata in\u00a0Piazza dei Girolamini<\/strong>. L\u2019immagine, che raffigura una Madonna con una pistola al posto dell\u2019aureola, provoca una forte reazione e invita alla riflessione sui temi della religione, della violenza e della societ\u00e0 contemporanea. Non dimentichiamo chi \u00e8 Banksy considerato uno tra i maggiori esponenti della Street Art contemporanea, sicuramente il pi\u00f9 popolare. L’artista e writer britannico, di et\u00e0 compresa tra i 45 e i 50 anni, \u00e8 riuscito a mantenere segreta la sua identit\u00e0. A partire dagli anni Novanta, i suoi graffiti, realizzati con la tecnica dello stencil, sono apparsi in spazi pubblici di tutto il mondo, da Londra a New York, da Berlino a Tokyo, e in molte citt\u00e0 italiane, come Venezia, luoghi comunque animati da profonde contraddizioni. Critico nei confronti della cultura pop, della politica e dell\u2019establishment artistico, la geniale ribellione di Banksy \u00e8 abbracciata da figure influenti come Christina Aguilera, che colleziona le sue opere, e Justin Bieber che si tatua Girl with Balloon. La sua influenza supera i confini convenzionali dell\u2019arte. Ha contribuito a consolidare il potere della Street Art all\u2019interno del mercato internazionale dell\u2019arte, e nonostante sia contrario alla commercializzazione dei suoi lavori, questi raggiungono prezzi stratosferici alle aste, guadagnandogli un posto nella lista delle 100 persone tra le pi\u00f9 influenti del 2010 secondo Time Magazine, accanto a icone culturali come Barack Obama, Steve Jobs e Lady Gaga. Nel 2018, l’asta di Girl with Balloon \u00e8 diventata sensazionale quando l\u2019opera si \u00e8 autodistrutta subito dopo essere stata venduta per 1,2 milioni di euro. Nel 2019, DevolvedParliament \u00e8 stato venduto per 11,1 milioni di euro da Sotheby’s. Banksy ha anche utilizzato la sua arte per scopi filantropici, donando i proventi della vendita di Mediterranean Sea View, 2017, a un ospedale palestinese. La sua reinterpretazione dell’opera di Monet, Show Me the Monet, \u00e8 stata venduta per 8,4 milioni di euro nel 2020. Nel marzo 2021, Game Changer, dedicato all’NHS, ha raggiunto quasi 20 milioni di euro, con proventi a favore del servizio sanitario britannico. Nell’ottobre del 2021, Love is in the Bin, la Girl with Balloon stracciata, ha stabilito un nuovo record con 21,6 milioni di euro. L’acquirente di questa opera d’arte da record rimane sconosciuto. Importanti istituzioni museali come il British Museum, la Tate Modern e il Louvre hanno esposto i suoi lavori. E alla domanda se la Street Art potesse essere esposta in musei o gallerie, Bansky ha risposto autorizzando nel 2023, per la prima volta dopo 14 anni, una sua esposizione alla Gallery of Modern Art di Glasgow. <\/p>\n\n\n\n

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Tra gli ultimi murales da lui rivendicati, c\u2019\u00e8 quello apparso a marzo 2024 a Finsbury Park, nell\u2019area nord della capitale inglese, dove una ragazza brandisce un tubo che spruzza vernice verde a ricreare illusoriamente, la chioma di un albero spoglio che gli sta di fronte, un chiaro messaggio ambientalista. La mostra rappresenta una summa di quella che \u00e8 l\u2019arte contemporanea oggi, presentando al pubblico i lavori di artisti amatissimi come Banksy, TvBoy, Schifano, ma anche di altri nomi celebri e conosciuti a livello internazionale: da Warhol a DamienHirst, da MrBrainwash a Obey, da TakashiMurakami a LiuBolin, e poi Kaws, Accardi, Petrucci, Rizek.Tutti protagonisti di un\u2019arte pubblica e sociale che \u00e8 diventata ormai un linguaggio accessibile, diretto e di denuncia, in cui lo spettatore pu\u00f2 immedesimarsi, perch\u00e9 parlano di una realt\u00e0 che ci appartiene. Nel panorama dell\u2019arte contemporanea, la ribellione ha assunto forme diverse: dalla contestazione politica alla sovversione del mercato, dall\u2019occupazione degli spazi urbani al rifiuto delle convenzioni espositive. Al centro di questa galassia di insorti creativi, Banksy emerge come figura paradigmatica di un\u2019arte che ha trasformato la disobbedienza in linguaggio estetico e l\u2019anonimato in manifesto. La scelta di Banksy di nascondersi dietro uno pseudonimo non \u00e8 mero espediente pubblicitario, ma posizione ideologica che ribalta il narcisismo tipico del sistema artistico contemporaneo. Mentre il suo volto rimane ignoto, le sue opere appaiono improvvisamente sui muri di Belfast, Londra, New York o Gaza, trasformando il tessuto urbano in una galleria democratica e accessibile. I suoi stencil \u2013 dalla \u201cFlying copper\u201d a \u201cBomb Love\u201d \u2013 condensano critiche complesse in immagini immediate che parlano tanto all\u2019intellettuale quanto al passante distratto. Il suo antagonismo si estende al mercato stesso dell\u2019arte, con gesti clamorosi come l\u2019autodistruzione di un\u2019opera appena battuta all\u2019asta o l\u2019installazione non autorizzata di suoi lavori nelle sale dei pi\u00f9 prestigiosi musei. Queste azioni mettono a nudo i paradossi di un sistema che trasforma anche la contestazione pi\u00f9 radicale in merce di lusso, costringendoci a interrogarci sulla possibilit\u00e0 stessa di un\u2019arte autenticamente sovversiva nell\u2019epoca della sua riproducibilit\u00e0 economica. L\u2019onda lunga della street art ha generato una comunit\u00e0 di artisti che, pur con approcci diversi, condividono la vocazione a sottrarre l\u2019arte ai circuiti tradizionali. Obey (Shepard Fairey) ha trasformato la sua campagna \u201cAndr\u00e9 the GiantHas a Posse\u201d in un impero visivo che spazia dai manifesti politici al design commerciale, mantenendo per\u00f2 una coerenza tematica centrata sulla critica al potere. La sua immagine \u201cHOPE\u201d per la campagna di Obama rappresenta forse il momento in cui la street art ha definitivamente valicato il confine tra controcultura e mainstream. TVBOY traduce questa attitudine nel contesto mediterraneo, con interventi che trasformano l\u2019attualit\u00e0 politica italiana ed europea in icone pop immediatamente riconoscibili. Le sue rappresentazioni di leader politici che si baciano o in pose provocatorie generano dibattito pubblico, dimostrando come l\u2019azione artistica non autorizzata possa ancora innescare discussioni collettive. Mr. Brainwash, la cui storia \u00e8 inestricabilmente legata a quella di Banksy attraverso il documentario \u201cExit Through the Gift Shop\u201d, rappresenta un caso studio sulla mercificazione della ribellione. La sua rapida ascesa nel mercato dell\u2019arte solleva interrogativi sulla facilit\u00e0 con cui l\u2019estetica della contestazione pu\u00f2 essere assimilata dal sistema che pretendeva di criticare; mentre Rizek esplora nuove frontiere espressive attraverso una ricerca materica che trascende i confini tra pittura e oggetto. La denuncia assume forme pi\u00f9 sottili e sofisticate nell\u2019opera di artisti che operano all\u2019interno del sistema istituzionale. Damien Hirst ha fatto della provocazione la sua cifra distintiva, dalla famosa serie di animali in formaldeide alle pillcabinets, opere che sfidano tanto i tab\u00f9 culturali quanto i limiti del mercato. La sua decisione di bypassare le gallerie vendendo direttamente all\u2019asta un\u2019intera mostra rappresenta una forma diversa di rivolta contro le convenzioni del mondo dell\u2019arte. Takashi Murakami sovverte le gerarchie tra cultura alta e bassa, tra Oriente e Occidente, fondendo la tradizione pittorica giapponese con l\u2019estetica manga e anime. Il suo \u201csuperflat\u201d non \u00e8 solo uno stile ma una teoria critica che legge la societ\u00e0 contemporanea come appiattimento dei valori, dove l\u2019arte si confonde con il merchandise e viceversa. La sua collaborazione con marchi di lusso come Louis Vuitton rappresenta non una resa al commercio, ma un\u2019infiltrazione sovversiva nei circuiti del consumo globale. LiuBolin, l\u2019artista cinese noto come \u201cl\u2019uomo invisibile\u201d, ha sviluppato una forma di protesta unica: dipingendo il proprio corpo per mimetizzarsi completamente con lo sfondo, scompare fisicamente dentro le sue opere. Iniziata come reazione alla demolizione del suo studio da parte del governo cinese, questa pratica \u00e8 evoluta in una critica globale ai meccanismi di cancellazione dell\u2019individualit\u00e0 nella societ\u00e0 contemporanea e la sua sparizione<\/em> visiva rappresenta paradossalmente la massima forma di presenza. Anche KAWS (Brian Donnelly) ha iniziato la sua carriera con atti di ribellione visiva, intervenendo illegalmente su manifesti pubblicitari per sostituire i volti dei modelli con il suo iconico personaggio dai teschi incrociati. La sua traiettoria, dai graffiti illegali alle sculture monumentali, dalle collaborazioni con Dior alle quotazioni milionarie, racconta come la ribellione possa evolversi senza necessariamente tradire se stessa. Questa generazione di artisti dissidenti si inserisce in una tradizione che ha in Andy Warhol uno dei suoi capostipiti. La sua Factory, le sue serigrafie e la sua elevazione di oggetti banali a icone d\u2019arte rappresentavano negli anni \u201860 una sfida radicale alle convenzioni estetiche. La sua famosa affermazione \u201cNel futuro ognuno sar\u00e0 famoso per quindici minuti\u201d prefigurava con inquietante precisione l\u2019epoca dei social media e della celebrit\u00e0 istantanea in cui operano gli artisti contemporanei. In Italia, Mario Schifano ha incarnato una forma di dissenso pi\u00f9 esistenziale e meno programmatica. La sua vita febbrile, il suo approccio sperimentale ai media e la sua capacit\u00e0 di assorbire e reinterpretare tanto la cultura alta quanto quella popolare lo hanno reso una figura di riferimento per generazioni di artisti. Le sue opere \u2013 dai \u201cmonocromi\u201d agli \u201cschermi\u201d \u2013 rappresentano un\u2019appropriazione critica del linguaggio televisivo e pubblicitario che anticipa molte delle strategie degli artisti contemporanei. Nello Petrucci e Angelo Accardi, infine, rappresentano evoluzioni pi\u00f9 recenti di questa attitudine ribelle nel contesto italiano. Il primo, con i suoi collage stratificati che fondono immaginari pop e riferimenti alla storia dell\u2019arte, crea cortocircuiti visivi che invitano a una lettura critica dell\u2019overdose di immagini contemporanea. Il secondo, con le sue composizioni surreali popolate da struzzi e personaggi incongrui, sovverte le aspettative narrative creando scenari che sfidano le logiche lineari del racconto visivo. La mostra Banksy e altre storie di artisti ribelli<\/em> ci insegna che la contestazione artistica \u00e8 un equilibrio delicato tra compromesso e radicalit\u00e0 e la sfida principale \u00e8 mantenere l\u2019integrit\u00e0 della loro critica mentre navigano un sistema che tende ad assorbire e neutralizzare ogni forma di dissenso trasformandola in prodotto commerciale. L\u2019indipendenza nell\u2019arte contemporanea non si misura forse nella capacit\u00e0 di restare completamente fuori dal sistema \u2013 obiettivo probabilmente impossibile \u2013 ma di mantenersi in una posizione liminale, di confine, dove l\u2019operazione artistica conserva la sua capacit\u00e0 di disturbare, interrogare e sovvertire anche mentre partecipa, inevitabilmente, ai meccanismi che intende criticare. In un\u2019epoca in cui l\u2019autenticit\u00e0 \u00e8 diventata essa stessa un valore di mercato, questi artisti ci ricordano che la ribellione pi\u00f9 profonda non sta nei gesti clamorosi, ma nella coerenza con cui si persegue una visione, nel coraggio di mettere in discussione continuamente anche le proprie posizioni, e nella capacit\u00e0 di trasformare la contestazione in un linguaggio visivo che possa effettivamente raggiungere e influenzare un pubblico pi\u00f9 ampio possibile.<\/p>\n\n\n\n

Casa Alberobello \u2013 Bari <\/p>\n\n\n\n

Banksy e altre storie di artisti ribelli<\/p>\n\n\n\n

dal 15 Aprile 2025 al 30 Settembre 2025<\/p>\n\n\n\n

dal Marted\u00ec al Venerd\u00ec dalle ore 10.00 alle ore 13.00 e dalle ore 16.00 alle ore 20.00<\/p>\n\n\n\n

Sabato e Domenica dalle ore 10.00 alle ore 20.00- Luned\u00ec Chiuso <\/p>\n\n\n\n

Foto dell\u2019Allestimento della mostra Banksy e altre storie di artisti ribelli dal 15 Aprile 2025 al 30 Settembre 2025 courtesy Casa Alberobello \u2013 Bari <\/p>\n\n\n\n

Banksy Grannies, 2006 Serigrafia Pop House Gallery<\/p>\n\n\n\n

Banksy Donuts Chocolate ,2009 Serigrafia firmata Pop House Gallery<\/p>\n\n\n\n

Andy Warhol Marlene  Dietrich<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Giovanni Cardone   Fino al 30 Settembre 2025 si potr\u00e0 ammirare nelle sale di Casa Alberobello \u2013 Bari\u00a0 una mostra unica nel suo genere\u00a0 \u201cBanksy e altre storie di artisti ribelli\u201d, che racconta il mondo attraverso gli occhi di alcuni tra i pi\u00f9 influenti artisti viventi, a cura di Piernicola Maria Di Iorio. L\u2019esposizione in […]<\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":1000017642,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"content-type":"","_jetpack_memberships_contains_paid_content":false,"jnews-multi-image_gallery":[],"jnews_single_post":{"format":"standard"},"jnews_primary_category":[],"footnotes":"","jetpack_publicize_message":"","jetpack_publicize_feature_enabled":true,"jetpack_social_post_already_shared":true,"jetpack_social_options":{"image_generator_settings":{"template":"highway","default_image_id":0,"font":"","enabled":false},"version":2}},"categories":[3,5],"tags":[],"class_list":{"0":"post-1000017641","1":"post","2":"type-post","3":"status-publish","4":"format-standard","5":"has-post-thumbnail","7":"category-arte","8":"category-giovanni-cardone"},"jetpack_publicize_connections":[],"jetpack_featured_media_url":"https:\/\/i0.wp.com\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/wp-content\/uploads\/2025\/05\/Andy-Warhol-Marlene-Dietrich1.jpeg?fit=2455%2C2404&ssl=1","jetpack_likes_enabled":true,"jetpack_sharing_enabled":true,"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/1000017641","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/users\/1"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fcomments&post=1000017641"}],"version-history":[{"count":1,"href":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/1000017641\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":1000017646,"href":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/1000017641\/revisions\/1000017646"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/media\/1000017642"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fmedia&parent=1000017641"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fcategories&post=1000017641"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Ftags&post=1000017641"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}