Giovanni Cardone<\/p>\n\n\n\n
Fino al 21 Giugno 2025 si potr\u00e0 ammirare al Museo Gypsptheca Antonio Canova a Possagno- Treviso la mostra dedicata ad Antonio Canova- \u2018Canova e la Nascita della Scultura Moderna. Il Teseo sul Minotauro\u2019 a cura di Elena Catra. L\u2019esposizione \u00e8 sponsorizzata da Continuit\u00e0 di idee S.R.L. di Silea. Il capolavoro giovanile di Antonio Canova, il Teseo sul Minotauro, realizzatoa Roma nel 1783, riveste nella storia dell\u2019arte e della scultura, una importanza capitale; l\u2019opera, infatti, segna il passaggio dagli ideali barocchi ai principi estetici neoclassici. L’opera verr\u00e0 esposta per la prima volta al pubblico nell’Ala Lazzari del museo e sar\u00e0 messa a confronto con il primo modellino realizzato da Canova, come studio della scultura, e la sua versione finale in gesso. In una mia ricerca storiografica e scientifica fatta sulla figura di Antonio Canova e sul Neoclassicismo che divenne modulo monografico e furono fatta lezioni seminariali per confrontare questo grande artista con la contemporaneit\u00e0. La vicenda del neoclassicismo inizia alla met\u00e0 del XVIII secolo per concludersi con la fine dell\u2019impero napoleonico . Ci\u00f2 che contraddistingue lo stile artistico di quegli anni fu l\u2019adesione ai principi dell\u2019arte classica. Quei principi di armonia, equilibrio, compostezza, proporzione, serenit\u00e0, che erano presenti nell\u2019arte degli antichi greci e degli antichi romani che, proprio in questo periodo, fu riscoperta e ristudiata con maggior attenzione ed interesse grazie alle numerose scoperte archeologiche. I principali protagonisti del neoclassicismo furono il pittore Anton Raphael Mengs , lo storico dell\u2019arte Johann Joachim Winckelmann , che furono anche i teorici del neoclassicismo, gli scultori Antonio Canova e Bertel Thorvaldsen, il pittore francese Jacques-Louis David i pittori italiani Andrea Appiani e Vincenzo Camuccini . Winckelmann, Mengs, Canova, Thorvaldsen, operarono tutti a Roma, che divenne, nella seconda met\u00e0 del Settecento, la capitale incontrastata del neoclassicismo, il baricentro dal quale questo nuovo gusto si irradi\u00f2 per tutta Europa. A Roma, nello stesso periodo, operava un altro originale artista italiano, Giovan Battista Piranesi che, con le sue incisioni a stampa, diffuse il gusto per le rovine e le antichit\u00e0 romane. L\u2019Italia nel Settecento fu la destinazione obbligata di quel \u00abGrand Tour\u00bb che rappresentava, per la nobilt\u00e0 e gli intellettuali europei, una fondamentale esperienza di formazione del gusto e dell\u2019estetica artistica. Roma, in particolare, ove si stabilirono scuole ed accademie di tutta Europa, divenne la citt\u00e0 dove avveniva l\u2019educazione artistica di intere generazioni di pittori e scultori. Tra questi vi fu anche il David che rappresent\u00f2 il pittore pi\u00f9 ortodosso del nuovo gusto neoclassico. Con l\u2019opera del David il neoclassicismo divenne lo stile della Rivoluzione Francese ed ancor pi\u00f9 divenne, in seguito, lo stile ufficiale dell\u2019impero di Napoleone. E dalla fine del Settecento la nuova capitale del neoclassicismo non fu pi\u00f9 Roma, ma Parigi. Il neoclassicismo tende a scomparire subito dopo il 1815 con la sconfitta di Napoleone. Nei decenni successivi venne progressivamente sostituito dal Romanticismo che, al 1830, ha definitivamente soppiantato il neoclassicismo. Tuttavia, pur se non rappresenta pi\u00f9 l\u2019immagine di un\u2019epoca, il neoclassicismo di fatto sopravvisse, come fatto stilistico, per quasi tutto l\u2019Ottocento, soprattutto nella produzione aulica dell\u2019arte ufficiale e di stato e nelle Accademie di Belle Arti. E questa sopravvivenza stilistica, oltre ai consueti limiti cronologici, \u00e8 riscontrabile soprattutto nella produzione di un artista come Ingres, la cui opera si \u00e8 sempre attenuta ai canoni estetici della grazia e della perfezione, capisaldi di qualsiasi classicismo. Uno dei motivi di questo rinato interesse per il mondo antico furono le scoperte archeologiche che segnarono tutto il XVIII secolo. In questo secolo furono scoperte prima Ercolano, poi Pompei, quindi Villa Adriana a Tivoli e i templi greci di Paestum; ed infine giunsero dalla Grecia numerosi reperti archeologici che finirono nei principali musei europei: a Londra, Parigi, Monaco. Negli stessi anni si diffusero numerose pubblicazioni tra cui Le rovine dei pi\u00f9 bei monumenti della Grecia, 1758, del francese Le Roy, Le antichit\u00e0 di Atene, 1762, degli inglesi Stuart e Revett, e le incisioni di antichit\u00e0 italiane del romano Piranesi che contribuirono notevolmente a diffondere la conoscenza dell\u2019arte classica. Questa opera di divulgazione fu importante non solo per la conoscenza della storia dell\u2019arte ma anche per il diffondersi dell\u2019estetica del neoclassicismo. In particolare, con queste campagne di scavo, non solo si ampli\u00f2 la conoscenza del passato, ma fu chiaro il rapporto, nel mondo classico, tra arte greca e arte romana. Quest\u2019ultima rispetto alla greca apparve solo un pallido riflesso ed un epigono, se non addirittura una semplice copia. La vera fonte della grandezza dell\u2019arte classica venne riconosciuta nella produzione greca degli artisti del V-IV secolo a.C. Quel periodo eroico che vide sorgere la plastica statuaria di Fidia, Policleto, Mirone, Prassitele, fino a Lisippo. E la perfezione senza tempo di questa scultura influenz\u00f2 profondamente l\u2019estetica del Settecento, divenendo modello per gli artisti del tempo. Il neoclassicismo nacque come desiderio di una arte pi\u00f9 semplice e pura rispetto a quella barocca, vista come eccessivamente fantasiosa e complicata. Questo desiderio di semplicit\u00e0 si coniug\u00f2 alla constatazione, fornita dalle scoperte archeologiche, che gi\u00e0 in et\u00e0 classica si era ottenuta un?arte semplice ma di nobile grandiosit\u00e0. Il barocco apparve allora come il frutto malato di una degenerazione stilistica che, pur partita dai principi della classicit\u00e0 rinascimentale, era andata deformandosi per la ricerca dell\u2019effetto spettacolare ed illusionistico. Il barocco \u00e8 complesso, virtuosistico, sensuale; il neoclassicismo vuole essere semplice, genuino, razionale. Il barocco propone l\u2019immagine delle cose che pu\u00f2 anche nascondere, nella sua bellezza esterna, le brutture interiori; il neoclassicismo non si accontenta della sola bellezza esteriore, vuole che questa corrisponda ad una razionalit\u00e0 interiore. Il barocco perseguiva effetti fantasiosi e bizzarri, il neoclassicismo cerca l\u2019equilibrio e la simmetria; se il barocco si affidava alla immaginazione e all\u2019estro, il neoclassicismo si affida alle norme e alle regole. Il principio del razionalismo \u00e8 una componente fondamentale del neoclassicismo. \u00c8 da ricordare che il Settecento \u00e8 stato il secolo dell\u2019Illuminismo. Di una corrente filosofica che cerca di \u00abilluminare\u00bb la mente degli uomini per liberarli dalle tenebre dell\u2019ignoranza, della superstizione, dell\u2019oscurantismo, attraverso la conoscenza e la scienza. E per far ci\u00f2 bisogna innanzitutto liberarsi da tutto ci\u00f2 che \u00e8 illusorio. E l\u2019arte barocca ha sempre perseguito l\u2019illusionismo come pratica artistica. Il neoclassicismo ha diversi punti di similitudine con il Rinascimento: come questo fu un ritorno all\u2019arte antica e alla razionalit\u00e0. Ma le differenze sono sostanziali: la razionalit\u00e0 rinascimentale era di matrice umanistica e tendeva a liberare l\u2019uomo dalla trascendenza medievale, la razionalit\u00e0 neoclassica \u00e8 invece di matrice illuministica e tendeva a liberare l\u2019uomo dalla retorica, dalla ignoranza e dalla falsit\u00e0 barocca. Il ritorno all\u2019antico, per l?artista rinascimentale era il ritorno ad un atteggiamento naturalistico, nei confronti della rappresentazione, che lo liberasse dal simbolismo astratto del medioevo; per l\u2019artista neoclassico fu invece la codificazione di una serie di norme e di regole che servissero ad imbrigliare quella fantasia che, nell\u2019et\u00e0 barocca, aveva agito con eccessiva licenza e sregolatezza. Il Massimo teorico del neoclassicismo fu il Winckelmann. Nel 1755 pubblicava le Considerazioni sull\u2019imitazione delle opere greche nella pittura e nella scultura, nel 1763 pubblicava la Storia dell\u2019arte nell\u2019antichit\u00e0. In questi scritti egli affermava il primato dello stile classico soprattutto greco che lui idealizzava al di l\u00e0 della realt\u00e0 storica, quale mezzo per ottenere la bellezza \u00abideale\u00bb contraddistinta da \u00abnobile semplicit\u00e0 e calma grandezza\u00bb. Winckelmann considerava l?arte come espressione di \u00abun\u2019idea concepita senza il soccorso dei sensi\u00bb. Un\u2019arte, quindi, tutta cerebrale e razionale, purificata dalle passioni e fondata su canoni di bellezza astratta. Le sue teorie artistiche trovarono un riscontro immediato nell\u2019attivit\u00e0 scultorea di Antonio Canova e di Thorvaldsen. La scultura, pi\u00f9 di ogni altra arte, sembr\u00f2 adatta a far rivivere la classicit\u00e0. Le maggiori testimonianze artistiche dell\u2019antichit\u00e0 sono infatti sculture. E nella scultura neoclassica si avverte il legame pi\u00f9 diretto ed immediato con l\u2019idea di bellezza classica. Una pittura classica, di fatto, non esiste, anche perch\u00e9 le testimonianze di quel periodo sono quasi tutte scomparse. Le uniche pitture ad affresco, a noi note, comparvero proprio in quegli anni negli scavi di Ercolano e Pompei. Esse, tuttavia, per quanto suggestive nella loro iconografia cos\u00ec esotica, si presentavano di una semplificazione stilistica definita compendiaria inutilizzabile per la moderna sensibilit\u00e0 pittorica. Cos\u00ec che i pittori neoclassici dovettero ispirarsi stilisticamente pi\u00f9 alla pittura rinascimentale italiana, in particolare Raffaello, che non all\u2019arte classica vera e propria. I caratteri della scultura neoclassica sono la perfezione di esecuzione, la estrema levigatezza del modellato, la composizione molto equilibrata e simmetrica, senza scatti dinamici. La pittura neoclassica si riaffid\u00f2 agli strumenti del naturalismo rinascimentale: la costruzione prospettica, il volume risaltato con il chiaroscuro, la precisione del disegno, immagini nitide senza giochi di luce ad effetto, la mancanza di tonalismi sensuali. I soggetti delle opere d\u2019arte neoclassiche divennero personaggi e situazioni tratte dall\u2019antichit\u00e0 classica e dalla mitologia. Le storie di questo passato, oltre a far rivivere lo spirito di quell\u2019epoca, che tanto suggestionava l\u2019immaginario collettivo di quegli anni, serviva alla riscoperta di valori etici e morali, di alto contenuto civile, che la storia antica proponeva come modelli al presente. La storia antica, quindi, divenne un serbatoio di immagine allegoriche da utilizzare come metafora sulle situazioni del presente. Ci\u00f2 \u00e8 maggiormente avvertibile per un pittore come il David nei cui quadri la storia del passato \u00e8 solo un pretesto, o una metafora, per proporre valori ed idee per il proprio tempo. Il neoclassicismo, nella sua poetica, invert\u00ec il precedente atteggiamento dell\u2019arte rococ\u00f2. Questa, nella sua ricerca della sensazione emotiva o sensuale, sceglieva immagini che materializzavano l\u2019 \u201cattimo fuggente\u201d. Il neoclassicismo non propone mai attimi fuggenti, ma, coerentemente con la sua impostazione classica, rappresenta solo \u201cmomenti pregnanti\u201d. I momenti pregnanti sono quelli in cui vi \u00e8 la maggiore carica simbolica di una storia. In cui si raggiunge l\u2019apice di intensit\u00e0 psicologica, di concentrazione, di significanza: il momento in cui, un certo fatto od evento entra nella storia o nel mito. Il ruolo svolto dall\u2019Italia nella nascita del Neoclassicismo fu determinante. In Italia vennero effettuate le maggiori scoperte archeologiche del secolo: Ercolano, Pompei, Paestum, Tivoli, che si aggiunsero alle gi\u00e0 imponenti collezioni di arte romana che, dal Cinquecento in poi, si erano costituite un po\u2019 ovunque. Roma divenne la capitale del neoclassicismo e fu un ruolo centrale che conserv\u00f2 fino allo scoppio della Rivoluzione Francese. A Roma operarono i maggiori protagonisti di questa fase storica: Winckelmann, Mengs, Canova, Thorvaldsen. A Roma, nello stesso periodo, operava un altro originale artista italiano, Giovan Battista Piranesi che, con le sue stampe, diffuse il gusto per le rovine e le antichit\u00e0 romane. Un gusto, che presto suggestion\u00f2 soprattutto gli spiriti romantici che nella \u00abrovina\u00bb rintracciavano un sentimento che andava al di l\u00e0 della testimonianza archeologica. Ed a Roma giungevano gli altri artisti ed intellettuali di Europa. I primi grazie alle borse di studio messe a loro disposizione dalle scuole ed accademie d\u2019arte, i secondi per quella moda del Grand Tour che imponeva alle persone di un certo rango di effettuare almeno un viaggio in Italia per conoscerne le bellezze e i tesori d\u2019arte. L\u2019Accademia francese assegnava una borsa di studio per un soggiorno di alcuni anni a Roma, chiamata \u00abPrix de Rome\u00bb. E, grazie a questa borsa di studio, anche David giunse a Roma soggiornandovi in pi\u00f9 occasioni. E, proprio a Roma, compose il suo quadro pi\u00f9 famoso di questo periodo: \u00abIl giuramento degli Orazi\u00bb. A Roma un altro personaggio svolse un ruolo fondamentale per il neoclassicismo: il cardinale Albani. Cultore di antichit\u00e0 classiche e mecenate, inizi\u00f2 la costruzione di una villa-museo che divenne uno dei luoghi pi\u00f9 simbolici del nuovo stile. Il suo salotto divenne luogo di incontro per gli artisti e gli studiosi che, a Roma, furono i protagonisti della vicenda neoclassica. Ed infine Roma fu anche la citt\u00e0 ove lavor\u00f2 il maggior artista italiano neoclassico: Antonio Canova. Ma intanto, alla fine del secolo, Roma cedeva la sua centralit\u00e0 a Parigi e, nel contempo, un\u2019altra citt\u00e0 italiana divenne importante nella vicenda del neoclassicismo: Milano. Nel capoluogo lombardo il centro della vita artistica divenne l\u2019Accademia di Brera, fondata nel 1776. Da Milano proviene il principale pittore neoclassico italiano: Andrea Appiani , che fu anche ritrattista ufficiale di Napoleone. La sua opera, in parte distrutta dai bombardamenti del 1943, si affida a temi mitologici quali \u00abLa toeletta di Giunone\u00bb, il \u00abParnaso\u00bb o la \u00abStoria di Amore e Psiche\u00bb. Un altro pittore romano, Vincenzo Camuccini visse in giovent\u00f9 la fase del neoclassicismo proponendo quadri di derivazione davidiana quali la \u00abMorte di Giulio Cesare\u00bb. Il neoclassicismo, come fatto stilistico, \u00e8 sopravvissuto nell\u2019arte italiana per buona parte dell\u2019Ottocento. Anche pittori, che per i soggetti vengono considerati romantici, quali Hayez o Bezzuoli, continuano a praticare una pittura con quei connotati stilistici neoclassici che tenderanno a scomparire solo dopo la met\u00e0 del secolo. Antonio Canova \u00e8 il maggior artista italiano ad aver partecipato alla vicenda del neoclassicismo ed \u00e8 anche l\u2019ultimo grande artista italiano di livello europeo. Dopo di lui, per tutto il corso del XIX secolo, l\u2019Italia ha svolto un ruolo molto marginale e periferico nell\u2019ambito della formulazione delle nuove teorie e pratiche artistiche. Formatosi in ambiente veneziano, le sue prime opere rivelano la influenza dello scultore barocco del Seicento Gian Lorenzo Bernini. Trasferitosi a Roma, partecip\u00f2 al clima cosmopolita della capitale in cui si incontravano i maggiori protagonisti dell\u2019arte neoclassica. A Roma svolse la maggior parte della sua attivit\u00e0, raggiungendo una fama immensa. Fu anche pittore, ma produsse opere di livello decisamente inferiore rispetto alle sue opere scultoree. Nelle sue sculture Canova, pi\u00f9 di ogni altro, fece rivivere la bellezza delle antiche statue greche secondo i canoni che insegnava Winckelmann: \u00abla nobile semplicit\u00e0 e la quieta grandezza\u00bb. Le sculture di Canova sono realizzate in marmo bianco e con un modellato armonioso ed estremamente levigato. Si presentano come oggetti puri ed incontaminati secondo i princ\u00ecpi del classicismo pi\u00f9 puro: oggetti di una bellezza ideale, universale ed eterna. I soggetti delle sue sculture si dividono in due tipologie principali: le allegorie mitologiche e i monumenti funebri. Al primo gruppo appartengono: \u00abTeseo sul Minotauro\u00bb, \u00abAmore e Psiche\u00bb, \u00abErcole e Lica\u00bb, \u00abLe tre Grazie\u00bb; al secondo gruppo appartengono i monumenti funebri a Clemente XIV, a Clemente XIII, a Maria Cristina d\u2019Austria. Nei monumenti di soggetto mitologico i riferimenti alle sculture greche classiche \u00e8 scoperto ed immediato: le anatomie sono perfette, i gesti misurati, le psicologie sono assenti o silenziose, le composizioni molto equilibrate e statiche. Il momento scelto per la rappresentazione \u00e8 quello classico del \u00abmomento pregnante\u00bb, evidente ad esempio nel gruppo di \u00abTeseo sul Minotauro\u00bb. Canova, invece di rappresentare la lotta tra Teseo e l\u2019essere met\u00e0 uomo e met\u00e0 toro, sceglie di rappresentare il momento in cui Teseo, dopo aver sconfitto il Minotauro, ha scaricato tutte le sue energie offensive per lasciar posto ad un vago senso di piet\u00e0 per l\u2019avversario ucciso. \u00c8 un momento di quiete assoluta in cui il tempo si congela per sempre. \u00c8 quello il momento in cui la storia diventa mito universale ed eterno. Nei monumenti funebri Canova parte dallo schema classico a tre piani sovrapposti. Nei monumenti dei due papa Clemente XIII e XIV al primo livello ci sono le immagini allegoriche che rappresentano il senso della morte; al secondo livello vi \u00e8 il sarcofago; al terzo livello vi \u00e8 la figura del papa.<\/p>\n\n\n\n
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