Fino al 23 Febbraio 2025 si potr\u00e0 ammirare al Museo Le Carceri di Asiago Vicenza la mostra dedicata Haring, Banksy, Obey: libert\u00e0 non autorizzata<\/em>, con un percorso espositivo che esplora la nascita e l\u2019evoluzione della Street Art internazionale. Curata da\u00a0Matteo Vanzan<\/strong>\u00a0e promossa dall\u2019Amministrazione Comunale di Asiago in collaborazione con l\u2019agenzia MV Arte di Vicenza, l\u2019iniziativa intende gettare luce su un linguaggio artistico che ha segnato l\u2019estetica della controcultura in aperto dialogo con la dimensione urbana. L\u2019esposizione presenta oltre 50 opere provenienti da collezioni italiane ed estere, in un mosaico che comprende tele, poster, serigrafie, memorabilia e sketch. Il percorso tocca nomi storici e contemporanei della scena internazionale, tra cui\u00a0Keith Haring, Banksy, Obey (Shepard Fairey), JR, Mr. Brainwash, Futura 2000, Swoon, King 157, Toxic<\/strong>, dalle origini newyorkesi della fine degli anni Sessanta fino alla dimensione globale raggiunta dalla Street Art negli ultimi decenni. In una mia ricerca storiografica e scientifica sulla Street Art\u00a0 e su Haring, Banksy e Obey e sulla evoluzione di questo movimento \u00a0apro il mio saggio dicendo:\u00a0 \u00c8 molto difficile stabilire dove e quando sia nato il graffitismo, l\u2019arte murale, o, come viene definita oggigiorno, la \u201cstreet art\u201d. \u00c8 addirittura molto difficile assegnare a questa o queste pratiche un nome che venga riconosciuto globalmente dagli stessi artisti e dagli spettatori. Street Art: Complesso di pratiche ed esperienze di espressione e comunicazione artistico-visuali che intervengono nella dimensione stradale e pubblica dello spazio urbano, originariamente provviste di una fisionomia alternativa, spontanea, effimera e giuridicamente illegale salvo poi essere, in una fase posteriore, parzialmente sanzionate e fatte proprie dalla cultura popolare di massa, dal mercato e dalle istituzioni, prospettiva che contribuisce a rendere molto problematica a oggi una puntuale individuazione del campo, che rimane estremamente liquido e aperto a molteplici visioni. \u201cEnciclopedia Treccani s.v. street art\u201d Secondo questa definizione, all\u2019interno del termine Street Art risiedono anche pratiche quali il graffitismo e il writing in tutte le loro sfaccettature, dal momento che anch\u2019esse potrebbero essere definite come \u201cpratiche ed esperienze di espressione e comunicazione artistico-visuali\u201d. Nonostante ci\u00f2, per\u00f2, non tutti sarebbero d\u2019accordo nell\u2019includere quei terribili scarabocchi disegnati sui muri delle nostre case all\u2019interno del grande mondo della street art. Quindi posto una domanda come definire questi movimenti? La stessa Treccani afferma la difficolt\u00e0 di offrire \u201cuna puntuale identificazione del campo\u201d e di conseguenza spetta ad ogni singolo creatore o fruitore di queste \u201copere\u201d stabilire se siano artistiche o meno, se siano belle o brutte e siano giuste o sbagliate. Dovendo cercare le origini della street art non si pu\u00f2 che risalire a tempi antichissimi in cui l\u2019uomo dipingeva le ruvide pareti di grotte e caverne. Vista la principale attivit\u00e0 del tempo le immagini rappresentate erano soprattutto scene di caccia o animali stilizzati i cui significati erano probabilmente magici e propiziatori. Tra i pi\u00f9 illustri esempi ci sono la grotta di Altamira con dipinti di circa 18.500 anni e le famosissime grotte francesi di Lascaux e Pech-Merle che oltre ad avere raffigurazioni create circa 25.000 anni fa, al\u00a0 suo interno sono visibili alcune impronte in negativo di mani ottenute attraverso la colorazione della parete attorno alla mano appoggiata. Parlando di mani bisogna anche ricordare le famosissime rappresentazioni di mani in negativo della Cueva de las manos in Argentina . Volendo fare un paragone si potrebbe ironicamente affermare\u00a0 che queste rappresentazioni di mani siano le prime forme di firma individuale di uomini che anticiparono il fenomeno moderno del tagging . Ovviamente, altri illustri esempi possono essere ritrovati in Africa come nelle grotte di Laas Gaal in Somalia con dipinti risalenti al IX-VIII millennio a.C. o in Sudamerica come nel Parco nazionale Serra da Capivara dove sono rappresentate circa 30.000 figure dipinte su roccia, le pi\u00f9 antiche datate 26.000 \u2013 20.000 anni fa. Tralasciando alcuni aspetti importanti della storia dell\u2019arte che all\u2019interno di questo elaborato non assume una rilevanza fondamentale al fine della comprensione di alcuni ambiti della street art, non bisogna dimenticare l\u2019utilizzo artistico-espressivo dei muri nella civilt\u00e0 egizia, in quella assira, in quella greca e romana e cosi via fino ai giorni nostri. Un accenno va per\u00f2 fatto in particolare all\u2019Europa medievale dove veniva spesso utilizzato l\u2019affresco per comunicare o semplicemente lasciare un messaggio alla comunit\u00e0. Ancora pi\u00f9 spesso questo tipo di arte veniva utilizzato a fini didascalici come nel caso di cattedrali e chiese dove si potevano, e si pu\u00f2 tutt\u2019ora, trovare raccolte di immagini che narrano scene della vita di Ges\u00f9. Se la norma era dunque dipingere all\u2019interno non mancano esempi di affreschi e pitture murali anche all\u2019esterno; esempio ne \u00e8 la recentemente restaurata facciata di una casa a Mantova dipinta per mano di Mantegna o alcuni monasteri rumeni tra cui quello di Moldovi\u021ba risalente al 1532. Anche all\u2019interno del testo sacro, la Bibbia, troviamo un esempio di utilizzo di scrittura murale al cui interno \u00e8 racchiusa una profezia decifrata da Daniele per il re Baldassarre. Anche in questo caso si pu\u00f2 osservare come l\u2019utilizzo della scrittura su parete non \u00e8 fine a s\u00e9 stesso ma ha un qualche scopo. Le origini dell\u2019arte murale vanno ricercate soprattutto all\u2019interno della cultura messicana post-rivoluzionaria, dunque intorno agli anni \u201920 e \u201830 del secolo scorso. In questo periodo grandi artisti come Diego Rivera, Jos\u00e9 Clemente Orozco e David Alfaro Siqueiros realizzano grandi opere che verranno riconosciute a livello internazionale. I tre artisti erano accumunati dalla voglia di creare un arte che fosse fortemente ideologica, narrativa, educativa e popolare, quattro caratteristiche tipiche della street art in generale, antica e contemporanea. Diego Rivera dopo una giovinezza tra Messico, Spagna e Italia nel quale conosce importanti artisti come Picasso e Modigliani che lo introducono alla scena artistica, nel 1922 si iscrisse al Partito Comunista Messicano e cominci\u00f2 a dipingere i suoi murales sugli edifici pubblici di Citt\u00e0 del Messico. Attraverso le sue opere ha la grande capacit\u00e0 di rappresentare vicende del suo popolo, dei peones e della loro schiavit\u00f9. Protagonisti dei suoi murales furono anche le tre figure fondamentali della rivoluzione messicana Hidalgo, Juarez, Zapata e in seguito anche Marx e Lenin; quest\u2019ultima opera Man at the Crossroads, creata nel New York City’s Rockefeller Center venne subito distrutta da Nelson Rockefeller per via della propaganda anti-capitalista rappresentata e lui venne licenziato. Jos\u00e9 Clemente Orozco\u00a0 fu anche lui, insieme a Diego Rivera\u00a0 promotore del cosiddetto Rinascimento Murale Messicano. Grande muralista, gir\u00f2 le pi\u00f9 importanti citt\u00e0 americane ed europee facendosi conoscere per le sue grandi opere. Differentemente dal suo compagno Diego Rivera era un personaggio pessimista e cupo che rappresentava le difficolt\u00e0 e la sofferenza che ogni uomo deve patire per ottenere i suoi diritti. Questa sua visione della vita e soprattutto della rivoluzione messicana al quale \u00e8 molto legato si traduce in dipinti il cui tema \u00e8 sempre drammatico e i colori sempre forti e scuri. David Alfaro Siqueiros\u00a0 non fu soltanto un pittore ma anche uno dei 10 grandi protagonisti della rivoluzione messicana al fianco di Zapata.\u00a0 Dopo una serie di viaggi, torna in patria nel 1922 ed, insieme a Rivera ed Orozco, partecipa alla grande nascita della pittura murale messicana. \u201cSenza la rivoluzione non ci sarebbe stata la pittura messicana\u201d. Queste le sue parole sul quale basa tutta la sua arte. La sua idea era quella secondo cui l\u2019arte ha lo scopo di parlare direttamente al popolo affinch\u00e9 quest\u2019ultimo intervenga e cambi la societ\u00e0 corrotta; proprio per questo motivo le sue opere trovano dimora lungo le strade, in luoghi aperti a chiunque e gratuiti; dell\u2019arte devono poterne fruire tutti. Imprigionato pi\u00f9 volte per i suoi ideali nel 1966 gli venne conferito il massimo riconoscimento governativo, il Premio Nazionale d\u2019Arte. Questi tre artisti, Rivera, Orozco e Siqueiros, vengono considerati a livello internazionale come i precursori dell\u2019arte murale moderna. Gli obiettivi e i temi delle loro opere differiscono sicuramente da quelli di oggi, ma la base rimane la stessa e le motivazioni anche: la voglia di esprimersi e la voglia di comunicare qualcosa a tutto il mondo; la voglia di protestare e di andare contro il sistema. Per quanto molte persone non lo vogliano accettare, anche la pi\u00f9 piccola ed insignificante scritta che troviamo sui muri della nostra citt\u00e0, ha in fondo un perch\u00e9 e potrebbe essere ritenuta come una minuscola forma di protesta. Le prime forme di arte murale in Italia differiscono, in parte, da quelle della rivoluzione messicana. Per quanto anch\u2019esse rappresentassero la cultura di un popolo e la situazione di uno stato, non provenivano da un movimento rivoluzionario bens\u00ec dal potere stesso. Durante il periodo fascista\u00a0 dal 1922 al 1943 \u00e8 il regime che detta le regole e che vuole creare un\u2019arte pubblica con forte rilevanza sociale, autocelebrativa e propagandistica. Nel 1933 il pittore nonch\u00e9 muralista Mario Sironi pubblica il Manifesto della pittura murale nel quale afferma: \u00abLa pittura murale \u00e8 pittura sociale per eccellenza. Essa opera sull’immaginazione popolare pi\u00f9 direttamente di qualunque altra forma di pittura, e pi\u00f9 direttamente ispira le arti minori.\u201d\u00a0 Questa un\u2019altra frase indicativa dell\u2019utilizzo dell\u2019arte che veniva fatto nel periodo fascista: \u201cNello Stato Fascista l’arte viene ad avere una funzione educatrice. Essa deve produrre l’etica del nostro tempo. Deve dare unit\u00e0 di stile e grandezza di linee al vivere comune. L’arte cos\u00ec torner\u00e0 a essere quello che fu nei suoi periodi pi\u00f9 alti e in seno alle pi\u00f9 alte civilt\u00e0: un perfetto strumento di governo spirituale.\u201d Il Graffitismo, o meglio il writing, nasce negli anni \u201970, come parte della sottocultura dei ghetti (conosciuta come Hip-hop), attorno alle citt\u00e0 americane, tra le quali, la pi\u00f9 importante, New York. Difficile stabilire una data precisa nella quale sia nata o un percorso ben definito che abbia seguito questa nuova pratica. Diverse ragioni rendono questo compito molto arduo: l\u2019enorme numero di graffiti sparsi per il mondo; la lontananza di questa \u201carte\u201d dai canali tradizionali e legali; la spesso repentina cancellazione. Nonostante i media e il senso comune non facciano alcuna distinzione, sarebbe pi\u00f9 consono definire come due pratiche differenti il graffitismo e il writing. Molto vicine tra loro e spesso con fini pressoch\u00e9 identici, si differenziano principalmente per la forma e la tecnica utilizzata. Si potrebbe affermare che il graffitismo nasca a partire dal writing a seguito di una ricerca e uno studio pi\u00f9 attento del lettering . La nascita del Graffitismo \u00e8 dovuta alle problematiche socio-culturali di alcuni quartieri disagiati della New York degli anni \u201970 e di altre metropoli; Come afferma Baudrillard le 14 scritte nascono a partire da spinte assai differenti: La tendenza ad affermare la propria esistenza o identit\u00e0 individuale, la protesta delle minoranze e qualche volta anche pretese artistiche. In questo periodo la forte emarginazione dei giovani dei ghetti, neri e latinos ha portato gli stessi a ribellarsi e a reagire alla forte repressione e discriminazione delle minoranze cercando una maniera per esprimersi, far sentire la propria voce e soprattutto protestare. Agli albori del graffitismo lo scopo principale di un writer era quello di bombardare (\u201cBombing \u00ab) pi\u00f9 pareti possibili con la sua firma (\u201ctag\u201d). Il pi\u00f9 famoso tra di essi \u00e8 TAKI 15 183 al quale addirittura il New York Times dedic\u00f2 un articolo rendendo cosi ufficiale la\u00a0 nascita del nuovo movimento. Non era per\u00f2 l\u2019unico: la voglia di riappropriarsi di un\u2019identit\u00e0 e di uno spazio urbano ha portato molti giovani a scrivere quante pi\u00f9 volte possibile la propria tag in giro per il quartiere o per la citt\u00e0. Con il tempo, i cosiddetti writers cominciano a voler qualcosa di pi\u00f9 e la tecnica viene affinata attraverso uno studio pi\u00f9 attento del lettering. La semplice tag o scritta non basta pi\u00f9 per poter prevalere e farsi riconoscere all\u2019interno dell\u2019enorme panorama venutosi a creare. Tra le migliaia e migliaia di \u201cbanali\u201d scritte \u00e8 necessario ora far risaltare la propria firma attraverso una pi\u00f9 raffinata ricerca stilistica dei caratteri e utilizzando \u201cattrezzi\u201d che rendessero pi\u00f9 appetibili le opere come la bomboletta spray. Esempi di lettering potrebbero essere il bubble style, bar style, computer style, 3D style o wild style che si differenziano tra loro in base all\u2019utilizzo di, rispettivamente, lettere arrotondate, lettere squadrate, lettere \u201cdigitali\u201d, lettere 3D o lettere di difficile comprensione ed intricate. Detta anche Aerosol-art si presenta inizialmente come un\u2019evoluzione del writing per poi trovare una propria indipendenza e dignit\u00e0 artistica. Intorno al 1974 c\u2019\u00e8 poi un\u2019ulteriore evoluzione che porta gli artisti ad incorporare all\u2019interno dei loro lavori anche figure, personaggi e scenari extra-alfabetici divenendo cosi a tutti gli effetti una branca dell\u2019arte. Nello stesso periodo, parallelamente comincia a svilupparsi una nuova tecnica che acquisir\u00e0 poco a poco sempre pi\u00f9 importanza fino a raggiungere il culmine con i lavori di Banksy di cui si parler\u00e0 nei capitoli successivi: la Stencil Art . Da questo periodo in poi, o meglio, dagli anni \u201980 in poi, con la nascita di nuove tecniche e con lo sviluppo sempre pi\u00f9 indipendente dal punto di vista artistico di queste pratiche, gli artisti stravolgono l\u2019idea iniziale di writing e graffitismo puntando ad un pubblico. Mentre negli anni \u201970 lo scopo principale di un writer era quello di bombardare con la propria firma pi\u00f9 muri possibili per riappropriarsi dello spazio urbano e per acquisire una certa notoriet\u00e0 all\u2019interno della subcultura dell\u2019Hip hop, ora il writer cessa di essere solamente un writer e diventa un artista, con dei messaggi universalmente comprensibili e con la speranza di un riconoscimento a livello pubblico. \u00c8 per questo motivo che, proprio in questi anni, cominciano a nascere le prime esposizioni il cui tema \u00e8 proprio l\u2019arte di strada. Posso dire che Keith Haring faceva parte della fascia di giovani istruiti, appartenenti a famiglie benestanti, i quali si avvicinavano alla Graffiti Art grazie ai proprio studi. Da un piccolo paesino della Pennsylvania, decise di trasferirsi a New York, dove l\u2019incontro con bande anonime di graffitisti di strada, fa s\u00ec che comprenda ogni aspetto di questa forma d\u2019arte. Il graffitismo praticato su muri e vagoni, pu\u00f2 essere considerato secondo rispetto ad uno di tutt\u2019altra natura, presente ormai da decenni e decisamente pi\u00f9 raffinato: il cartellonismo pubblicitario, che \u00e8 come una seconda e artificiale pelle sui muri di tutta la citt\u00e0. Nel 1980 si accorge dei fogli neri opachi che coprono le pubblicit\u00e0 a cui \u00e8 scaduta la tassa di affissione nei corridoi delle stazioni della metropolitana . Sono una specie di lavagna che gli permette di comunicare con un pubblico ampio, popolare, che quasi di sicuro non mette mai piede n\u00e9 in una galleria d\u2019arte n\u00e9 in un museo. Per cinque anni produce centinaia di questi graffiti, denominati subway drawings, facendosi multare ripetutamente e persino arrestare per atti di vandalismo. La gente per\u00f2 inizia ad accorgersi di lui, e la sua arte semplice e simbolica diventa una compagnia familiare per i pendolari che vanno in ufficio, tanto che qualcuno inizia a strappare i disegni per portarseli a casa; molti di questi lavori saccheggiati, furono rivenduti a diversi musei. L\u2019artista viaggi\u00f2 nelle diverse capitali del mondo, spesso con mezzi di fortuna come il semplice autostop, e in ognuna di questa citt\u00e0 lasci\u00f2 il riconoscibile disegno dell\u2019omino stilizzato e colorato, il suo segno caratteristico pi\u00f9 noto. Dopo essere divenuto famoso grazie ai murales, espose i suoi lavori fra Club di vario genere e vernissage pi\u00f9 o meno improvvisati. Le novit\u00e0 da lui proposte, risultano esplosive e non mancano di attirare l\u2019attenzione degli intenditori pi\u00f9 smaliziati: trasmette ed inventa un nuovo linguaggio urbano. All\u2019inizio degli anni \u201980, Haring si ripropone di ripassare i fumetti con l\u2019aiuto di uno scanner, ma per rendere le immagini pi\u00f9 scarne, li trasforma in tracciati schematici e volutamente poveri . Le caratteristiche di tutte le sue opere, dalle prime produzioni fino alle ultime, rispecchiano perfettamente lo stile della Graffiti Art: le immagini vengono sempre riportate su superfici bidimensionali, per questo vengono trattate in modo semplice e ridotto, con contorni schematici e generalizzati. Nei primi tempi, l\u2019artista riporta anche il riquadro, che nei fumetti serviva a separare una scena da un\u2019altra a scopo narrativo; ne ritroviamo un esempio in alcune opere senza titolo del 1984 . Ben presto, si rese conto che utilizzare un riquadro risultava limitante, cos\u00ec se ne liber\u00f2 definitivamente, per fare in modo che il flusso degli intrecci grafici sulle sue opere, si prolungasse il pi\u00f9 possibile. Nel 1983, Haring in una celebre serie di interventi, tracci\u00f2 dei profili incredibilmente puri ed incisivi, privi di ripensamenti su un fondo nero: sono presenti solo due colori, ovvero il nero dello sfondo ed il bianco utilizzato per creare la traccia. Per alcune opere, come si \u00e8 gi\u00e0 detto, si ispir\u00f2 a dei fumetti: un soggetto comune a Roy Lichtenstein che tra l\u2019altro era amico dell\u2019artista, \u00e8 Topolino , che pu\u00f2 essere considerato come l\u2019eroe principale dell\u2019epica fumettistica. Ma sono presenti anche dei pagliacci e Pierrot: il suo intento resta comunque quello di far perdere consistenza alle icone, per svuotarle dall\u2019interno. Nelle opere, compaiono semplicemente dei profili di corpi interi; al loro interno, sono presenti dei segni grafici, e spesso questi corpi si intrecciano tra di loro: l\u2019arto di una figura entra nella fessura di un\u2019altra. Possono variare i colori, sia dello sfondo che del contorno delle opere, ma alcune caratteristiche non cambiano mai: tutte le linee sono spesse e i fondi sono piatti, sempre privi di sfumature. I segni grafici che riempiono la superficie, sono spesso dei bastoncini o dei puntini: \u00e8 grazie alla loro presenza, che le opere perdono ogni iconismo, divenendo un qualcosa di completamente astratto. La ripetizione di questi segni diventa quasi ossessiva, ma mai monotona. La sua \u00e8 un\u2019arte di segni, simboli, icone, che per la loro stessa natura veicolano un messaggio chiaro, semplice, immediatamente accessibile ed universale, in un certo senso. L\u2019elemento che pi\u00f9 viene ridotto nei lavori di Haring per\u00f2, \u00e8 il colore: anche sotto quest\u2019aspetto, va contro ad uno dei principi sacri dell\u2019arte, ovvero il fatto che i colori andassero stesi con delle sfumature. I colori chiave si riducono ad un massimo di tre per dipinto e spesso sono il nero, il rosso ed il bianco. L\u2019artista non si limit\u00f2 alla bidimensionalit\u00e0, come invece facevano altri graffitari: si divertiva a dipingere vestiti ed oggetti. Tra gli abiti, ricordiamo quelli indossati dall\u2019amica e cantante Madonna nel video Into the groove, nel 1985. Crea grandi sculture di bambini in metallo\u00a0 o dell\u2019uomo mezzo cane e mezzo uomo\u00a0 ma oltre a queste, Haring disegn\u00f2 su macchine, biciclette, statue\u00a0 e vasi.\u00a0<\/p>\n\n\n\n <\/p>\n\n\n\n
![\"\"](\"https:\/\/i0.wp.com\/gazzettinoitalianopatagonico.com\/wp-content\/uploads\/2025\/01\/Banksy_Silver-Flag_Serigrafia-1024x730.jpg?ssl=1\")
<\/a><\/figure>